domingo, 17 de enero de 2016

Historia del dibujo

La pictograma, conocida como pintura rupestre, se caracteriza por utilizar en su elaboración sustancias minerales (óxidos de hierro, manganeso, cinabrio, carbón, arcillas), animales (sangre, huevos, grasa), o vegetales (grasas, colorantes).
Estos pigmentos se aplicaban con los dedos pintura dactilar o con instrumentos parecidos al pincel. En sitios rupestres es posible reconocer el uso de los dedos o de las manos completas.
Lo que supone una aplicación directa del pigmento; o, por el contrario, áreas muy grandes que debieron ser realizadas con algunos instrumentos (pinceles o hisopos).
También existe un tipo especial de pintura que se  denomina negativa y que se realizó soplando desde la boca del pimento pulverizado sobre un objeto.
El arte rupestre está representado en España y el sur de Francia. En España destacan las pinturas rupestres de Altamira y en Francia las de Lascaux.
Pintura de Altamira
Hasta mediados del siglo XIX en Europa se habían encontrado en cuevas, numerosos objetos prehistóricos, elaborados en piedra o hueso con representaciones de animales; pero no fue hasta 1879 cuando se descubrieron las primeras pinturas rupestres.
Marcelino Sanz de Sartuola, junto con su pequeña hija María hallaron en el techo de una cueva en Altamira (Santander, España), una excepcional conjunto de bisontes multicolores. A este hallazgo, que fue presentado ante la comunidad científica en 1880, se le negó en un principio su autenticidad, pues se consideraba que este tipo de representaciones no correspondía con la primitiva capacidad técnica y mental prehistórica.
Sin embargo, este panorama cambiaría totalmente gracias a posteriores hallazgos de otros sitios rupestres en España y Francia. El francés Cartailhac, termino por aceptar el descubrimiento con la publicación del artículo publicado "Mea culpa de un escéptico".
En España podemos encontrar dos zonas de pinturas rupestres diferenciadas: la zona Cantábrica y la zona levantina.
En la cantábrica, las escenas representadas muestran únicamente animales poli cromáticos con alto nivel de realismo. En la zona levantina, las pinturas son más estilizadas y representan escenas de casa, en las que parecen figuras humanas monocromáticas.
En el antiguo Egipto se utilizaban como modelos para la pintura y la escultura dibujos a tinta sobre papiros y fragmento de vasijas, incisos con figuras y motivos, como ocurrió en Mesopotamia con los dibujos tallados en tablillas de arcilla.
Estos dibujos marcados en un principio por la estricta representación frontal y la exageración de las formas, fueron dejando paso a un mayor naturalismo, como en el arte de los reinados de Ajnatón en Egipto y en Assurbanipal  en Asiria.
En Grecia los dibujos terminados tal como se ven las vasijas griegas, indican la evolución desde el arcaísmo estilizado a la idealización clase de la naturaleza, incluso del tratamiento naturalista de la forma humana.
Algunos pintores griegos fueron: Polignoto, Zeusis, Parrasío y Apeles. Sus pinturas y fresco reflejan sus estilos bastantes laboriosos.
Los romanos tienen una gran influencia de la pintura griega ya que en la época de Cesar arrancaban murales griegos de las paredes y se las llevaban a Roma. Tenían una finalidad práctica como era decorar palacios y casa. La condición social de un pintor era l de un artesano, aunque los que pintaban en tabla tenían un mayor prestigio.
En la isla de creta se desarrolló una pintura innovadora y de alta calidad. Se distingue en tres aspectos fundamentales:
a) Los temas van más lejos del aspecto religioso. Van más allá de la vida cotidiana incorporan desfiles y procesiones.
B) Sus formas pictóricas son más ligeras y osadas
C) Sus pinturas  se encuentran más en el pasillo, casas, y palacios. Sus pinturas estaban representadas a l fresco, sus mejores escenas están a la altura de la vista.
El arte de la edad media es esencialmente religioso.
El arte Bizantino en la época de Constantino; el dibujo y la pintura adquieren características propias, los artistas realizan excelentes mosaicos centrados en representación de acontecimientos bíblicos en donde se observa que las figura poseen una solemnidad acentuada  y siempre están colocadas de frente .
El arte o estilo gótico, conjuntamente con tres fenómenos de la edad media. El paisaje se introduce como modalidad pictórica   y en los dibujos las figuras se representan estilizadas y poco modeladas.
El renacentismo: Los magnates reflejan sus gustos en multitud de retratos. El desnudo femenino empieza adueñarse de las creaciones artísticas, y se envuelve al estudio de la figura humana.
El dibujo asciende a lo volumétrico gracias a las nuevas técnicas de coloreado. El juego de luces y sombras, junto con la perspectiva, acerca aún más la realidad al dibujo. Y una manifestación de artistas demuestran este nuevo desarrollo: El greco, Miguel Ángel, Sandro Botiselli, Leonardo Da Vinci.
Este último destaca más por su afana de investigación, encuentra una manera de utilizar la iluminación del dibujo. El esfumado disipa la línea cerrada del contorno del dibujo para aumentar de profundidad y se persigue el acercamiento a lo natural. Por tanto el dibujo deja de ser algo espontaneo y subjetivo, para convertirse en una verdadera disciplina.
Dibujos del siglo XIX:
Los dibujos integraban el realismo de los artistas americanos Gilbert Stuart, George Catlin, John James Audubon, Winslow Homer y Thomas Eakins, y de los canadienses Paul Kane y Coelius Krieghoff.
Claude Monet dio origen a un estilo de dibujo que se caracteriza por una textura de línea de chura suelta para definir los objetos como masas borrosas, Vicent van Gogh con sus trazos consiguió un dibujo mucha más abierta que las masas planas.
 Paul Cezanne establecía los planos estructurales por medio de líneas quebradas en sus dibujos a carboncillo. George Seurat aprovecho al máximo la textura del papel para conseguir ambientes brumosos.
En el siglo XX el cubismo analítico de los dibujos de bodegones y retrato de Pablo Picasso y de Georges Braque desconvoco, con el tiempo, en un dibujo constructivista y minimalista más abstracto.
El surrealismo francés y el expresionismo abstracto estadounidense inspiraron dibujos más abiertos y espontáneos. También se empezaron a explotar la textura, las escalas y el collage, continuando el interés por dibujos de contornos tradicionales.

El punto de vista realista queda patente en los dibujos de George Bellows y Edward Hopper, en estados unidos y los realistas sociales Kathe Kollwitz en Alemania y Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, en México. El dibujo a finales del siglo veinte presenta gran variedad y se combina creativamente con la técnica de imprenta.


No hay comentarios.:

Publicar un comentario