La pictograma, conocida como pintura rupestre, se caracteriza por
utilizar en su elaboración sustancias minerales (óxidos de hierro, manganeso, cinabrio,
carbón, arcillas), animales (sangre, huevos, grasa), o vegetales (grasas,
colorantes).
Estos pigmentos se aplicaban con los dedos
pintura dactilar o con instrumentos parecidos al pincel. En sitios rupestres es
posible reconocer el uso de los dedos o de las manos completas.
Lo que supone una aplicación directa del
pigmento; o, por el contrario, áreas muy grandes que debieron ser realizadas
con algunos instrumentos (pinceles o hisopos).
También existe un tipo especial de pintura
que se denomina negativa y que se realizó soplando desde la boca del pimento
pulverizado sobre un objeto.
El arte rupestre está representado en
España y el sur de Francia. En España destacan las pinturas rupestres de
Altamira y en Francia las de Lascaux.
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| Pintura de Altamira |
Hasta mediados del siglo XIX en Europa se habían
encontrado en cuevas, numerosos objetos prehistóricos, elaborados en piedra o
hueso con representaciones de animales; pero no fue hasta 1879 cuando se
descubrieron las primeras pinturas rupestres.
Marcelino Sanz de Sartuola, junto con su
pequeña hija María hallaron en el techo de una cueva en Altamira (Santander,
España), una excepcional conjunto de bisontes multicolores. A este hallazgo,
que fue presentado ante la comunidad científica en 1880, se le negó en un
principio su autenticidad, pues se consideraba que este tipo de
representaciones no correspondía con la primitiva capacidad técnica y mental
prehistórica.
Sin embargo, este panorama cambiaría
totalmente gracias a posteriores hallazgos de otros sitios rupestres en España
y Francia. El francés Cartailhac, termino por aceptar el descubrimiento con la publicación
del artículo publicado "Mea culpa de un escéptico".
En España podemos encontrar dos zonas de
pinturas rupestres diferenciadas: la zona Cantábrica y la zona levantina.
En la cantábrica, las escenas
representadas muestran únicamente animales poli cromáticos con alto nivel de
realismo. En la zona levantina, las pinturas son más estilizadas y representan
escenas de casa, en las que parecen figuras humanas monocromáticas.
En el antiguo Egipto se utilizaban como modelos para la
pintura y la escultura dibujos a tinta sobre papiros y fragmento de vasijas, incisos
con figuras y motivos, como ocurrió en Mesopotamia con los dibujos tallados en
tablillas de arcilla.
Estos dibujos marcados en un principio por la estricta representación
frontal y la exageración de las formas, fueron dejando paso a un mayor
naturalismo, como en el arte de los reinados de Ajnatón en Egipto y en Assurbanipal
en Asiria.
En Grecia los dibujos terminados tal como se ven las vasijas
griegas, indican la evolución desde el arcaísmo estilizado a la idealización clase
de la naturaleza, incluso del tratamiento naturalista de la forma humana.
Algunos pintores griegos fueron: Polignoto, Zeusis, Parrasío
y Apeles. Sus pinturas y fresco reflejan sus estilos bastantes laboriosos.
Los romanos tienen una gran influencia de la pintura griega
ya que en la época de Cesar arrancaban murales griegos de las paredes y se las llevaban
a Roma. Tenían una finalidad práctica como era decorar palacios y casa. La condición
social de un pintor era l de un artesano, aunque los que pintaban en tabla tenían
un mayor prestigio.
En la isla de creta se desarrolló una pintura innovadora y
de alta calidad. Se distingue en tres aspectos fundamentales:
a) Los temas van más lejos del aspecto religioso. Van más allá
de la vida cotidiana incorporan desfiles y procesiones.
B) Sus formas pictóricas son más ligeras y osadas
C) Sus pinturas se
encuentran más en el pasillo, casas, y palacios. Sus pinturas estaban
representadas a l fresco, sus mejores escenas están a la altura de la vista.
El arte de la edad media es esencialmente religioso.
El arte Bizantino en la época de Constantino; el dibujo y la
pintura adquieren características propias, los artistas realizan excelentes
mosaicos centrados en representación de acontecimientos bíblicos en donde se
observa que las figura poseen una solemnidad acentuada y siempre están colocadas de frente .
El arte o estilo gótico, conjuntamente con tres fenómenos de
la edad media. El paisaje se introduce como modalidad pictórica y en los dibujos las figuras se representan
estilizadas y poco modeladas.
El renacentismo: Los magnates reflejan sus gustos en
multitud de retratos. El desnudo femenino empieza adueñarse de las creaciones artísticas,
y se envuelve al estudio de la figura humana.
El dibujo asciende a lo volumétrico gracias a las nuevas técnicas
de coloreado. El juego de luces y sombras, junto con la perspectiva, acerca aún
más la realidad al dibujo. Y una manifestación de artistas demuestran este
nuevo desarrollo: El greco, Miguel Ángel, Sandro Botiselli, Leonardo Da Vinci.
Este último destaca más por su afana de investigación,
encuentra una manera de utilizar la iluminación del dibujo. El esfumado disipa
la línea cerrada del contorno del dibujo para aumentar de profundidad y se
persigue el acercamiento a lo natural. Por tanto el dibujo deja de ser algo
espontaneo y subjetivo, para convertirse en una verdadera disciplina.
Dibujos del siglo XIX:
Los dibujos integraban el realismo de los artistas
americanos Gilbert Stuart, George Catlin, John James Audubon, Winslow Homer y Thomas
Eakins, y de los canadienses Paul Kane y Coelius Krieghoff.
Claude Monet dio origen a un estilo de dibujo que se
caracteriza por una textura de línea de chura suelta para definir los objetos
como masas borrosas, Vicent van Gogh con sus trazos consiguió un dibujo mucha más
abierta que las masas planas.
Paul Cezanne establecía
los planos estructurales por medio de líneas quebradas en sus dibujos a carboncillo.
George Seurat aprovecho al máximo la textura del papel para conseguir ambientes
brumosos.
En el siglo XX el cubismo analítico de los dibujos de
bodegones y retrato de Pablo Picasso y de Georges Braque desconvoco, con el
tiempo, en un dibujo constructivista y minimalista más abstracto.
El surrealismo francés y el expresionismo abstracto estadounidense inspiraron dibujos más abiertos y espontáneos. También se empezaron a explotar
la textura, las escalas y el collage, continuando el interés por dibujos de
contornos tradicionales.
El punto de vista realista queda patente en los dibujos de
George Bellows y Edward Hopper, en estados unidos y los realistas sociales
Kathe Kollwitz en Alemania y Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro
Siqueiros, en México. El dibujo a finales del siglo veinte presenta gran variedad
y se combina creativamente con la técnica de imprenta.
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